Im zwanzigsten Jahrhundert hatten britische Künstler einen bedeutenden Einfluss auf die Entwicklung der westlichen Malerei. Diese prominenten britischen Künstler gehörten zu den ersten, die Themen und Schauplätze darstellten, die zuvor in der Kunst nicht gezeigt worden waren. Zu den wichtigsten Entwicklungen gehörten die Verbreitung einer neuen Perspektive auf den menschlichen Körper und ein Überdenken des Raumkonzepts.
Wir erkennen die Vorreiterrolle an, die britische Maler bei der Entwicklung der Landschaftsmalerei, der frühen abstrakten Kunst und der experimentellen Materialverwendung hatten. Die britischen Maler erweiterten die Idee der Originalität in einer Weise, die der Bedeutung der französischen Malerei entspricht. Die britischen Maler wurden von der in Amerika entstehenden Kunst der frühen Moderne stark beeinflusst und verfolgten daher die Entwicklung aller wichtigen Trends jenseits des Atlantiks.
Francis Bacon – Die düstere Welt
Francis Bacon, einer der bekanntesten britischen Maler, ist bekannt für seine lebendigen, grotesken, emotionsgeladenen und ungefilterten Bilder. Bacon positioniert seine Figuren typischerweise in einem isolierten geometrischen Raum, was er durch den Wechsel zwischen Darstellung und Abstraktion in seinem Werk erreicht.
Sein ikonisches Triptychon Three Studies for Figure at the Base of the Crucifix (Drei Studien für die Figur an der Basis des Kruzifixes) war der Katalysator für sein Debüt in der Kunstwelt. Mit der Fertigstellung dieses Gemäldes kurz nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs begründete Bacon seinen Ruf als einzigartiger und düsterer Chronist des menschlichen Daseins.
David Hockney – Die Farben des Wassers und Schöne Männer
David Hockney, der weithin als einer der bedeutendsten und bekanntesten britischen Künstler des 20. Jahrhunderts gilt, war eine wichtige Figur der Pop-Art-Bewegung der 1960er Jahre. Jahrhunderts gilt, war eine bedeutende Figur der Pop-Art-Bewegung der 1960er Jahre.
Am bekanntesten ist Hockney für seine Porträtarbeiten und seine Darstellungen heißer Sommer in Los Angeles, die er am Pool verbrachte, obwohl er in einem breiten Spektrum künstlerischer Disziplinen arbeitete, darunter Druckgrafik, Fotografie und Bühnenbild. Hockneys eigene Präsenz wird in seinen Werken durch die Verwendung von perspektivischen Linien vermittelt, auch wenn er seine Freunde, Liebhaber und Familien als Motive malt. Seine Gemälde sind weithin anerkannt und gehören zu den ikonischsten Beispielen der Kunstgeschichte.
Lucian Freud – Der psychologische Körper
In seinen berühmtesten Werken untersucht Lucian Freud oft die Interaktion zwischen Künstler und Modell aus psychologischer Sicht. Sein Arbeitsraum, eine unterirdische Höhle voller fantastischer Geschichten, gilt als eines der rätselhaftesten Ateliers der Kunstgeschichte.
Seine Porträts und Figurenbilder zeigen den menschlichen Körper in seiner ganzen nackten Pracht, und praktisch alle seine Gemälde sind von einem hohen Standpunkt aus gemalt. Freud enthüllte den nackten menschlichen Körper durch seine Forschungen und Experimente mit Fleischtönen, wobei er ihn häufig neben Tiere stellte. Seine Künstlerkollegen posierten gerne für ihn. Freud schloss sich einer Gruppe mit einigen der bekanntesten Persönlichkeiten der Kunst an, darunter Francis Bacon, die als The School of London bekannt wurde.
Richard Hamilton – Das erste Pop-Art-Bild
Richard Hamilton, ein Künstler, der vor allem für seine Gemälde und Collagen bekannt ist, wird oft als Schöpfer des allerersten Pop-Art-Kunstwerks angesehen. Im Jahr 1955 veranstaltete er die Ausstellung Man, Machine, and Motion und schuf die legendäre Collage Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing? Viele Kritiker und Kunsthistoriker halten die für die Ausstellung This is Tomorrow von 1956 geschaffenen Werke für die ersten Beispiele der Pop Art.
Hamiltons Verwendung von Werbeanzeigen aus weit verbreiteten Zeitungen und Magazinen in seinen berühmten Collagen wird oft als wichtiger Faktor für die Etablierung der 1960er Jahre als eine entscheidende Zeit in der Geschichte der modernen Kunst genannt. Mit dem Wissen, dass „Pop Art populär, flüchtig, austauschbar, billig, massenproduziert, jung, humorvoll, sexy, effekthascherisch, schrill und Big Business“ ist, betonte Hamilton die alltäglichen Aspekte der Kunstform.
Bridget Riley – Die Verehrung für Schwarz und Weiß
Die britische abstrakte Malerin Bridget Riley erlangte während der Blütezeit der Op-Art-Bewegung in den 60er Jahren große Bekanntheit. Durch den starken Kontrast von schwarzen und weißen Linien in ihren früheren Werken vermittelte sie den Eindruck von Bewegung in ansonsten unbewegten Bildern. Rileys Gemälde wurden 1965 in der Ausstellung The Responsive Eye neben den Werken von Victor Vasarely, Frank Stella und anderen gezeigt.
Rileys Einsatz von Farbe in ihren Werken der frühen 1970er Jahre war Teil eines größeren Trends optischer Täuschungen, bei dem sie mit sich wandelnden Formmustern und einer Vielzahl optischer Kombinationen spielte. Riley ist vor allem für ihre Schwarz-Weiß-Gemälde bekannt, die mit der Seekrankheit und dem Gefühl des freien Falls verglichen werden und sie zu einer der bekanntesten britischen Malerinnen des 20. Jahrhunderts machen.
Frank Auerbach – Der verborgene Realismus
Frank Auerbach ist bekannt dafür, einige der originellsten Gemälde von städtischen Szenen und Menschen zu schaffen. Obwohl er in Berlin geboren wurde, hat er seit 1947 seinen ständigen Wohnsitz im Vereinigten Königreich, wo er durch Einbürgerung britischer Staatsbürger wurde.
Mit seinem charakteristischen dicken, fast monströsen Impasto schafft er flüssige Gemälde, die für ihre Fähigkeit gelobt werden, das Wesen ihrer Motive einzufangen. Sein Werk mag wie ein expressionistisches Gemälde aussehen, doch sein Fundament ist der Realismus. Auerbach hat zur Entwicklung einer neuen ästhetischen Sprache in der Malerei beigetragen, die er zum Teil auf den Einfluss von Größen der figurativen Malerei wie Tizian, Rembrandt und Peter Paul Rubens zurückführt.
Howard Hodgkin – Die neue Definition der Malerei
Howard Hodgkin, einer der bekanntesten Maler Großbritanniens, brachte neue Ideen in die Malerei ein. Hodgkin definierte ein Gemälde als Objekt neu, indem er den Schwerpunkt von der weichen Oberfläche der Leinwand auf die Starrheit des hölzernen Untergrunds verlagerte.
Howard Hodgkin –
Die ursprüngliche Idee wurde durch die Verwendung eines rechteckigen Bilderrahmens, schwungvoller, ausdrucksstarker Pinselstriche und einer leuchtenden Palette aufeinanderprallender Farben weiter vorangetrieben. Flache, collageartige Kompositionen sind ein Markenzeichen seines Frühwerks. Neben der Ausweitung seines druckgrafischen Schaffens zeichnet sich Hodgkins späteres Werk durch eine stärkere Betonung von fließenden Mustern und Komplexität aus.
L.S. Lowry – Die unbekannten Landschaften
L.S. Lowry ist vor allem für seine Darstellungen einer Vielzahl von Szenen bekannt, die in den Industriegebieten im Nordwesten Englands spielen. Erst nach dem Tod des Künstlers wurde der volle Umfang seines Schaffens erkannt. Am bekanntesten ist er für seine Gemälde von Stadtlandschaften und seine einzigartige Herangehensweise an die Darstellung der menschlichen Figur, die er als „Streichholzmännchen“ bezeichnete.
Viele betrachten Lowrys Werk als ein Beispiel für naive Kunst, da die Figuren in seinen Gemälden übertrieben dargestellt sind und die Auswirkungen des Wetters nicht zu erkennen sind. Zu seinen häufigen Themen gehören rätselhafte, menschenleere Landschaften, düstere Porträts und Werke mit Marionetten.
Stanley Spencer – Das Dorf im Himmel
Stanley Spencer war ein englischer Maler, der weithin als eine der innovativsten Persönlichkeiten der britischen Kunst des 20. Die Heimatstadt des Künstlers, Cookham, in der er den größten Teil seines Lebens verbrachte, war eine wichtige Inspirationsquelle für die meisten Motive, die er malte.
Sein Werk besteht aus Fotografien, die fantastische und religiöse Themen, Landschaften und gelegentlich auch Porträts zeigen. Am bekanntesten sind jedoch seine religiösen Gemälde, die Szenen aus der Bibel darstellen, die sich in seiner Heimatstadt abspielten. Spencer stellte die Menschen, die in seiner Gemeinde lebten, als Figuren aus der Bibel dar, als er seine Heimatstadt als ein Dorf im Himmel bezeichnete.
Peter Doig – Magischer Realismus
Die Werke von Peter Doig sind oft vom magischen Realismus durchdrungen. Doigs Fotografien haben dank seiner Fähigkeit, flüchtige Momente des Friedens und der unzerstörbaren Stille einzufangen, weltweit Anerkennung erlangt. Es herrscht Einigkeit darüber, dass Kanus und Wasser seine Schlüsselbilder sind, wobei er sich auf Bilder aus seiner Kindheit stützt.
Man kann die Spiegelung der Kanus im Wasser als Metapher für ein Doppelleben oder als Fantasiespiegel ins Unbekannte deuten. Die Bilder, Zeitungsausschnitte und Filmsequenzen, die er als Inspirationsquelle für seine halb-abstrakten Landschaftsbilder nutzte. Viele sind der Meinung, dass berühmte Maler wie Munch, Monet und Klimt Klimts Herangehensweise an die Malerei, insbesondere in Bezug auf Farbe und Thema, maßgeblich beeinflusst haben.